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Ilusión óptica

Una ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la vista que nos lleva a percibir la realidad de varias formas. Estas pueden ser de carácter fisiológico asociados a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro (brillo, color, movimiento, etc., como el encandilamiento tras ver una luz potente) o cognitivo en las que interviene nuestro conocimiento del mundo (como el Jarrón de Rubin en el que percibimos dos caras o un jarrón indistintamente).

Las ilusiones cognitivas se dividen habitualmente en ilusiones de ambigüedad, ilusiones de distorsión, ilusiones paradójicas e ilusiones ficticias (alucinaciones) donde las imágenes no son perceptibles con claridad por el ojo humano, ya que nuestro cerebro sólo puede asimilar una imagen a la vez. En conclusión, el cerebro humano sólo puede concentrarse en un objeto, por lo que, cuando se presentan dos formas en una sola imagen, se ocasiona confusión y el cerebro entra en desorden, con lo cual este lleva a ver otra visión de lo visto.

Las ilusiones ópticas no están sometidas a la voluntad y pueden variar entre una persona y otra dependiendo de factores como la agudeza visual, la campimetría, el daltonismo, el astigmatismo, entre otros.

Entender estos fenómenos es útil para comprender las limitaciones del sentido visual del ser humano y la posibilidad de distorsión en lo relativo a la forma, el color, la dimensión y la perspectiva de lo observado.

Muchos artistas han aprovechado las ilusiones ópticas para dar a sus obras un aspecto mágico, de profundidad, de ambigüedad y contrastes.

Las ilusiones ópticas fisiológicamente ocurren durante la conexión del hemisferio derecho y el izquierdo del cerebro; gracias a esto tenemos la capacidad de percepción.

Algunas ilusiones ópticas son:

  • Ilusión de la cuadrícula
  • Espejismo
  • Holograma
  • Estereograma
  • Irradiación

Muchos artistas han trabajado con las ilusiones ópticas. Algunos son:

  • Octavio Ocampo
  • Maurits Cornelis Escher
  • Salvador Dalí
  • Giuseppe Arcimboldo
  • Marcel Duchamp
  • Oscar Reutersvär

La ilusión óptica también está en el cine al usar ciertos efectos vinculados con la animación, la cual se considera una ilusión óptica al dar la sensación de movimiento a una imagen.

Ilusiones ópticas



Fuente: Wikipedia

M. C. Escher

Maurits Cornelis Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898-Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), más conocido como M. C. Escher, fue un artista neerlandés conocido por sus grabados xilográficos, sus grabados al mezzotinto y sus dibujos, que consisten en figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 o 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

Biografía

No fue precisamente un estudiante brillante, y solo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna, empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jesserum de Mesquita. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajistas. Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.

En 1941 se muda a Baarn, Países Bajos, después de una estancia difícil en Bélgica durante la Segunda Guerra Mundial. Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores. Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969, con 71 años, realiza su grabado Serpientes donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de los Países Bajos, donde los artistas podían tener estudio propio. Murió dos años más tarde, en Hilversum, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 74 años, y fue enterrado en el cementerio de Baarn.

Obras de M. C. Escher


A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de sus obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.

Como artista, M. C. Escher resulta difícil de clasificar. Se han hecho múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tenía grandes pretensiones ni mensajes que transmitir, sino que básicamente plasmaba lo que le gustaba. No basaba su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.

Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino sólo las cosas que pasaban por su cabeza. En cierto modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.

Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos y amigo personal, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano o teselado).

Gran parte de su obra se guarda en el Museo Escher (Escher in het paleis) en La Haya (Holanda).


Fuente: Wikipedia

Hugo van der Goes

Hugo van der Goes (Gante, h. 1440 – Auderghem, 1482) fue un pintor flamenco, de la pintura gótica del siglo XV, estilo flamenco.

Nacido en Gante, es poco lo que se sabe sobre su vida. Entró en la guilda o gremio de artistas en 1467. Las primeras informaciones ciertas sobre este pintor lo sitúan en los años 1460 en Brujas donde colabora con la decoración en las fiestas en honor de las bodas del duque de Borgoña, Carlos el Temerario. Más tarde fue elegido decano del gremio, desempeñando este cargo desde 1473–4 al 18 de agosto de 1475. Ya en vida gozó de amplia fama, teniendo encargos tanto de los burgueses como de la aristocracia. Estuvo igualmente empleado por el gobierno de la ciudad como pintor de gonfalones, estandartes y otras pinturas temporales necesarias para las ceremonias de la época.

Al sufrir enfermedad mental, se retiró como hermano lego al monasterio Rodeklooster (Claustro Rojo), cerca de Bruselas alrededor de 1478 con la esperanza de que, viviendo en un monasterio, se recobraría de su depresión. No interrumpió completamente su actividad, pues es por esta época cuando realizó su Muerte de la Virgen, donde se transparenta una tensión dramática más aguda, traducida por la irrefrenable animación expresiva de los personajes. Van der Goes intentó suicidarse en 1480, y murió dos años más tarde.

En su obra acusa la influencia de autores como Jan Van Eyck y Rogier van der Weyden que habían logrado representar con solvencia el cuerpo humano y el acabado realista en el detalle. Posteriormente conoce sin duda algunas obras italianas contemporáneas, y este contacto influye sobre él, en el sentido de acabar en una ordenación más monumental del espacio. Es un pintor que se esfuerza por romper con los modelos creados, aumentando la expresividad de los gestos y la fisonomía, no descartando representar lo que pueda ser desagradable.

Obras de Hugo van der Goes


Listado de Obras de Robert Campin
  • Tríptico Portinari, Galería de los Uffizi, Florencia. Es su obra más famosa y una de las más hermosas del arte flamenco, 1476 - 1477.
  • Muerte de la Virgen, h. 1480, Museo Groeninge, Brujas. Esta obra tuvo gran repercusión en el ámbito flamenco. Fue revolucionaria por los escorzos, las disposiciones de las masas y penetración psicológica de los personajes.
  • Retrato de donante con san Juan Bautista, h. 1475-80, Museo Walters, Baltimore
  • Díptico de Viena, El pecado original, y El llanto por la muerte de Cristo y Santa Genoveva, Kunsthistorisches Museum, Viena. H. 1470-1475. Este díptico sobre tabla revela la influencia de Van Eyck y Van der Weyden.
  • Adoración de los Reyes llamada Retablo de Monforte, por provenir de la pinacoteca del Colegio de Nuestra Señora de la Antigua, en Monforte de Lemos (Lugo) h. 1480, Gemäldegalerie, Berlín. Revela la influencia del conocimiento de obras italianas contemporáneas.
  • Adoración de los pastores, 1480, en la Gemäldegalerie de Berlín
  • Altar de la Trinidad, cuatro paneles, 1478, Colecciones Reales, Reino Unido.
  • Retrato de un donante, colección H.O. Havemeyer, legado de H.O. Havemeyer, 1929, Metropolitan Museum, Nueva York, h. 1480
  • Descendimiento de Cristo, h. 1480, Ermitage, San Petersburgo

Petrus Christus

Petrus Christus o Petrus Cristus (Baarle, en las proximidades de Breda, 1410/1420 - Brujas, 1473). Pintor flamenco.

Fue sucesor de Jan van Eyck entre 1442 y 1450, razón por la cual algunas de sus obras han sido atribuidas en ciertas ocasiones a su maestro. Al igual que él, Christus es incluido en el Renacimiento Nórdico o en la Ars Nova pictórica, aunque en su obra se mantienen más patentes las reminiscencias góticas al mismo tiempo que resulta un precursor del genuino Renacimiento en la Europa septentrional.

Se conoce la actividad de Petrus Christus en Brujas desde 1444; poco después marchó a Italia en donde recibió el influjo de Antonello da Messina, así es que Petrus Christi deviene en un temprano ejemplo del uso de la perspectiva en la Europa del norte. Esto se puede comprobar en Virgen con dos santos que realiza al volver a Flandes. De regreso a Flandes, es desde 1452 cuando se aprecian en su obra las evidentes influencias de Dirk Bouts, Rogier van der Weyden y Robert Campin.

Su pintura, casi en su totalidad realizada con óleo mediante veladuras, y principalmente de temática religiosa, se caracteriza por la minuciosidad en la ejecución y el uso armónico de colores nítidos. Ambos recursos facilitan la impresión de atmósferas de intimismo y recogimiento; esto se potencia con los volúmenes redondeados de los cuerpos y una tendencia a la síntesis que produce un interesante efecto al contrastar las redondeces con elementos secamente rectilíneos y angulosos. Ejemplo de ello es el retrato llamado Joven Muchacha; en tal obra la desconocida mujer retratada irradia un aura de dignidad y discreción que logra un efecto fascinante: el de una tierna sensualidad, la suya se trata de una mirada íntima bastante alejada del frío realismo de sus contemporáneos flamencos.

Por esto, Petrus Christus fue el maestro más importante de Brujas tras la muerte de Jan Van Eyck.

Obras de Robert Campin


Listado de Obras de Petrus Christus
  • San Eloy, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
  • La deposición, en el mismo museo.
  • Virgen y el Niño, Museo del Prado de Madrid.
  • La natividad, Galería Nacional de Arte, Washington.
  • Dos donantes, en el mismo museo.
  • Retrato de muchacha, Gemäldegalerie de Berlín.
  • Retrato de un cartujo, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
  • Cabeza de Cristo, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.


Fuente: Wikipedia
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